Les maîtres verriers donnent le nom de « sang des Chrétiens » au verre rouge.

"C'est proprement une caractéristique du verre, son matériau de prédilection, que de saisir ensemble le corps et l'esprit, de créer une absence tangible, de fasciner par le charme sensible et d'affirmer la destruction, celle qui a eu lieu ou celle qui est toujours possible avec cette fragile matière. Tel est le propos des oeuvres peut-être les plus connues de Pascal Convert, reposant sur ce qu'il appelle la cristallisation : en remplaçant une statue de Christ ou un livre ancien par du verre en fusion, les faire perdurer dans une nouvelle beauté, après les avoir brûlés dans un geste iconoclaste, dans un geste tragique, celui des autodafés, celui qui s'attaque sans cesse aux corps humains. Ainsi le Christ cristallisé (2014) de l'église Saint-Eustache à Paris, ainsi la grande Bibliothèque cristallisée (2016) de Chaumont-sur-Loire."

Entre sacrifice, disparition et transfiguration de la matière
Avec Le Sang des chrétiens #2 (2024), Pascal Convert poursuit une réflexion essentielle de son œuvre sur la mémoire, la disparition et la capacité de la matière à donner une nouvelle présence à ce qui a été détruit. La sculpture représente un Christ mutilé, privé de ses bras et de la partie inférieure de ses jambes, dont le corps semble émerger d'une matière à la fois minérale et organique. La tête inclinée, le torse exposé et les plis du drapé qui enveloppe les hanches évoquent immédiatement l'iconographie traditionnelle de la Passion. Mais là où la sculpture religieuse classique cherchait à représenter la souffrance du Christ à travers l'expressivité du corps, Pascal Convert fait de la matière elle-même le lieu de cette souffrance.
La surface du verre, irrégulière, accidentée, presque érodée, semble porter les traces d'une violence ancienne. Les aspérités, les cavités et les altérations de la figure évoquent autant les blessures de la chair que les dégradations subies par les sculptures au cours des siècles.
Le choix du verre rouge est ici fondamental. Traditionnellement désigné par certains maîtres verriers sous le nom de « sang des chrétiens », ce matériau introduit une correspondance particulièrement puissante entre la substance de l'œuvre et son sujet. Le rouge n'est plus simplement une couleur appliquée à la surface pour évoquer le sang : il appartient à la matière même de la sculpture. Le corps du Christ semble ainsi constitué de ce qui symbolise son sacrifice.

Cette fusion entre matière et représentation donne à l'œuvre une dimension presque organique. Les variations de densité du verre et ses nuances allant du rouge intense à des tonalités plus pâles font apparaître la figure comme suspendue entre chair, pierre et lumière.

Le procédé de cristallisation "au bois perdu" joue un rôle tout aussi essentiel. En remplaçant une sculpture préexistante par du verre en fusion, Pascal Convert engage un processus dans lequel la destruction devient la condition même d'une nouvelle apparition. Le feu intervient ainsi de manière paradoxale : instrument de disparition, il est également ce qui permet à la forme de renaître sous une autre matérialité.

Ce processus fait écho à l'un des thèmes fondamentaux du christianisme : la mort et la résurrection, la disparition du corps et la promesse de sa transfiguration. Sans chercher à produire une image strictement dévotionnelle, Pascal Convert réactive ainsi la puissance symbolique de la figure christique à travers une opération profondément contemporaine.

L'œuvre entretient également un dialogue avec l'histoire de la sculpture occidentale. Le corps fragmentaire, privé de ses membres, évoque les vestiges de la statuaire antique autant que les sculptures médiévales mutilées. Mais cette apparence de ruine est ici paradoxale : la figure semble ancienne alors qu'elle vient de naître d'un processus de transformation. Cette ambiguïté temporelle est au cœur de la démarche de Pascal Convert. Ses œuvres semblent appartenir simultanément au passé et au présent, comme si elles avaient traversé les siècles tout en conservant la trace d'un événement récent.
Le verre, matériau traditionnellement associé à la transparence, à la fragilité et à la lumière, devient ici le dépositaire d'une mémoire de la violence. Il conserve les traces d'une forme disparue tout en lui conférant une nouvelle existence. La sculpture acquiert ainsi une dimension presque reliquaire. Elle ne représente pas seulement un corps souffrant : elle semble elle-même constituer le vestige matériel d'une disparition.

Avec Le Sang des chrétiens #2, Pascal Convert fait de la cristallisation une véritable métaphore de la transfiguration. En substituant au corps sculpté une matière née du feu, il transforme une image de la souffrance et de la mort en une présence lumineuse, où la destruction devient paradoxalement la condition de la survivance. Entre relique, fragment archéologique et apparition, l'œuvre interroge ainsi la capacité de l'art à préserver la mémoire des corps et des images, tout en leur offrant la possibilité d'une nouvelle existence.

Maître verrier : Olivier Juteau

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“It is precisely a characteristic of glass, his material of choice, that it can bring together body and spirit, create a tangible absence, captivate through its sensuous beauty, and at the same time affirm destruction—whether that which has already taken place or that which remains ever possible with such a fragile material.
This is the underlying principle of perhaps Pascal Convert’s best-known works, based on what he calls crystallisation: by replacing a statue of Christ or an ancient book with molten glass, he allows them to endure in a new form of beauty, after having consumed them by fire in an iconoclastic, tragic gesture—one that recalls the burning of books and the violence repeatedly inflicted upon human bodies.
Such is the case with Christ cristallisé (2014) in the Church of Saint-Eustache in Paris, and the monumental Bibliothèque cristallisée (2016) at Chaumont-sur-Loire.”

Between Sacrifice, Disappearance and the Transfiguration of Matter
With Le Sang des chrétiens #2 (2024), Pascal Convert continues a central exploration within his artistic practice: memory, disappearance, and the capacity of matter to give renewed presence to what has been destroyed.
The sculpture depicts a mutilated Christ, deprived of his arms and the lower parts of his legs, whose body seems to emerge from a substance that is both mineral and organic. The inclined head, exposed torso and folds of drapery around the hips immediately evoke the traditional iconography of the Passion. Yet where classical religious sculpture sought to convey Christ's suffering through the expressiveness of the body, Pascal Convert makes the material itself the very site of that suffering.The surface of the glass, irregular, rugged and almost eroded, appears to bear the traces of an ancient violence. Its rough textures, cavities and distortions evoke both wounds inflicted upon flesh and the deterioration of sculptures over the centuries.

The choice of red glass is fundamental. Traditionally referred to by certain master glassmakers as the "blood of Christians", this material establishes a particularly powerful correspondence between the substance of the work and its subject. Red is no longer simply a colour applied to the surface to evoke blood: it belongs to the very substance of the sculpture. Christ's body thus appears to be made from the material that symbolises his sacrifice.
This fusion of matter and representation lends the work an almost organic dimension. The variations in density of the glass and its shades ranging from intense red to paler tones make the figure appear suspended between flesh, stone and light.
The "lost-wood crystallisation" process plays an equally essential role. By replacing a pre-existing sculptural form with molten glass, Pascal Convert initiates a process in which destruction becomes the very condition for a new appearance.
Fire thus intervenes paradoxically: an instrument of disappearance, it is also what allows the form to be reborn in another material. This process echoes one of the fundamental themes of Christianity: death and resurrection, the disappearance of the body and the promise of its transfiguration.

Without seeking to produce a strictly devotional image, Pascal Convert reactivates the symbolic power of the figure of Christ through a profoundly contemporary artistic process. The work also engages in a dialogue with the history of Western sculpture. The fragmented body, deprived of its limbs, recalls the remains of ancient statuary as much as mutilated medieval sculptures. Yet this appearance of ruin is paradoxical: the figure seems ancient, although it has only just emerged from a process of transformation.

This temporal ambiguity lies at the heart of Pascal Convert's artistic practice. His works seem to belong simultaneously to the past and the present, as though they had survived the passage of centuries while retaining the traces of a recent event.
Glass, a material traditionally associated with transparency, fragility and light, here becomes the repository of a memory of violence. It preserves the traces of a vanished form while granting it a new existence. The sculpture thus acquires an almost reliquary-like dimension. It does not merely represent a suffering body: it seems itself to constitute the material remnant of a disappearance.

With Le Sang des chrétiens #2, Pascal Convert transforms crystallisation into a powerful metaphor for transfiguration. By replacing the sculpted body with a material born of fire, he transforms an image of suffering and death into a luminous presence, in which destruction paradoxically becomes the very condition of survival.
Somewhere between relic, archaeological fragment and apparition, the work thus explores art's capacity to preserve the memory of bodies and images while offering them the possibility of a new existence.